Es un resumen de algunos extractos del libro “LA ESTAMPA EN LA ENSEÑANZA PRIMARIA. METODOLOGÍA PARA LA EDUCACIÓN PLÁSTICA” de Bethânia Barbosa Bezerra de Souza, de ediciones ALJIBE.
Todo lo que esté en este color es una aportación mía propia.
______________________________________________________________________________
· Capítulo 2: fundamentos para una propuesta metodológica.
· Capítulo 2: fundamentos para una propuesta metodológica.
o
Antecedentes:
§
Arthur D. Efland en su libro una
historia de la educación del arte argumenta que en algunas historias se
utiliza la Segunda Guerra mundial como línea divisoria entre el pasado reciente
y el lejano, y es también una fecha importante en los debates sobre educación
artística.
§
El objetivo de este libro es articular
una propuesta metodológica en Educación Plástica a partir de estampa.
§
Las distintas metodologías desarrolladas
presentan la obra en la clase y establecen como base de la producción plástica
la pintura, el dibujo, el collage, en ocasiones el modelado y algunas técnicas
de grabado en relieve (xilografía y linóleo).
§
Al final de la II Guerra Mundial fueron
editados dos libros (publicados en la década de los 40) que revolucionaron que
han condicionado e influenciado la Educación Artística actual. Aunque su
práctica fue posible de forma global en los años 60, una vez superada la
problemática derivada de la II Guerra Mundial.
©
Las características
comunes de ambos autores son las siguientes:
Ø
Los autores de ambos
libros piensan que los procesos alcanzados por los alumnos son más
importantes que los resultados generados y que los niños tienen una serie de
etapas evolutivas en la representación plástica.
Ø
El objetivo de ambos
fue alcanzar la máxima creatividad de los niños, liberándolos de las
reglas convencionales y de las referencias.
Ø
La actividad
principal seria el dibujo y la pintura, libre y espontánea. Además
piensan que la educación estética es la base de la educación general porque
forma individuos armónicos. Sus teorías se asientan
en una idea formulada por Platón.
©
Los dos libros y
autores mencionados son los siguientes:
Ø
Educación por el
Arte en 1943 de Hebert Read: Defiende que el proceso educativo debe
estar basado en la individualización y socialización. Además debe entender la
educación estética como una visión total de la realidad para conseguir la
integración entre el individuo y su entorno.
Ø
Desarrollo de la
Capacidad Creadora en 1947 de Viktor Lowenfeld.
§
Se transformó en un best-seller entre los
profesores de Educación Plástica por su didáctica descripción de las etapas del
desarrollo del niño basada en la comprensión de la expresión plástica de los
mismos. Además facilitaba el trabajo de los docentes por su asequibilidad,
aunque también es cierto que propicio una determinada estereotipación o
alienación en manos de noveles profesores de Educación Plástica.
§
Para evitar mermar la creatividad de los
alumnos, lo que se hacía era no enseñar los trabajos de niños mayores a los
menores y mucho menos se les mostraban obras de arte (autoexpresión)
§
A comienzos de los años 60 se
manifestaron determinadas dudas sobre la metodología de la autoexpresión que
posibilitaron la aparición de nuevas metodologías en Educación Plástica.
§
En los años 70:
©
Edmun Feldman con
su libro Becoming human through art:
aesthetic experience (1970).
Ø
Para aprender el
lenguaje del arte hay que desarrollar la técnica, la crítica y la
creación, así como los aspectos sociales, culturales, psicológicos,
antropológicos e históricos del hombre.
Ø
El eje fundamental
es la capacidad crítica, que se desenvuelve a través de 4 procesos
distintos e intercomunicados: prestar atención a lo que se mira, descripción;
observar el comportamiento de lo que se ve, análisis; dar significado a la obra
de arte; observar el comportamiento de lo que se ve, análisis; dar significado
a la obra de arte, interpretación; decidir acerca del valor de un objeto
artístico y juicio.
Ø
El alumno obtendrá
sus propias conclusiones.
©
Robert Sauneders en
su libro Teaching Through Art (1971):
Ø
Para él las
diapositivas de obras expuestas son un recurso didáctico menos poderoso que una
buena reproducción sobre papel.
Ø
Define su método de
Abordaje Multipropósito: sirve para orientar al uso de reproducciones
como instrumentos de enseñanza que autorizan la estética del niño, la
percepción visual, la acuidad espacial, la simbología visual y verbal, los
cambios históricos y la autoidentificación.
Ø
Divide los
ejercicios a realizar en 4 categorías:
1.
Ejercicio de ver: describir, identificar e
interpretar.
2.
Ejercicio de aprendizaje: comprender las
pinturas, expresar juicios de valor, ejercitar habilidades de fantasía e
imaginación, desarrollar conceptos espaciales, desarrollar el sentido del orden
visual.
3.
Extensiones de la clase: relacionar arte con
medio ambiente, escribir creativamente, hacer comparaciones históricas, usar
símbolos, investigar los fenómenos de luz y color, realizar improvisaciones
dramáticas y explorar relaciones humanas.
4.
Producir artísticamente: actividad creadora en
grupo, experimentar con el espacio, con representaciones en tres dimensiones,
con formas, texturas, colores y líneas; ejercitar habilidades para recortar el
collage, el modelado, dibujo, pintura etc. para lidiar con la regla, el compás
y el cuentahílos.
§
La metodología del DBAE, fue desarrollada
por un grupo de especialistas en los años 80 y tuvo una gran repercusión en los
profesores de arte.
©
Corresponde a las 4 cosas más importantes
que las personas pueden hacer con el arte: producir, mirar, entender y hacer
juicios acerca de su calidad.
©
El trabajo practico ayuda a entender cómo
crear imágenes que tengan poder expresivo, coherente y fresco. La crítica al
arte desenvuelve la habilidad de ver y no solo de mirar las calidades del mundo
visual.
©
La historia del arte ayuda a los alumnos a
situarse en el tiempo y lugar de la obra para poder comprenderla.
§
A partir de los principios fundamentales del
DBAE surgieron nuevas metodologías como la propuesta de Monique Brière.
©
Monique Brière puso
énfasis en la producción plástica para los profesores del primer curso hasta el
último de la Educación Primaria (EP).
©
Su propuesta contiene reproducciones para
apreciar una obra de arte y defender el arte como asignatura en el colegio,
demostrando que tiene un dominio específico (ver y hacer), un lenguaje propio y
un contexto histórico.
©
Su objetivo: desarrollar la capacidad de
formular hipótesis, juzgar, justificar y contextualizar juicios.
©
Ella estructuro la clase así:
Ø
Se inicia la clase a
través de la actividad del alumno.
Ø
Se usan propuestas
que llevan a la lectura crítica, al juicio estético y a la comprensión historia
de las obras de arte de forma global (como un todo).
o
Fundamentos para una propuesta metodológica.
§
Apreciación o lectura de la obra de arte.
©
En el siglo XX se produce la integración
de la lectura de la obra de arte con la imaginación y la actividad plástica.
©
La lectura de obras de arte se hará al
comienzo de la clase:
Ø
Para introducir a
los alumnos en la lectura se usaran diapositivas, transparencias o
reproducciones de obras de arte en un buen tamaño, debido a la imposibilidad de
llevar a 20-25 alumnos, con determinada frecuencia a un museo o galería y
porque se presentara en cada clase solo uno o dos cuadros con la intención de
que presten atención, cosa que en un museo no se conseguiría.
§
Leer es entrelazar informaciones del objeto,
sus características formales, cromáticas, topológicas; informaciones del
lector, su conocimiento acerca del objeto, sus interferencias y su imaginación.
La lectura es personal y subjetiva
§
Es la parte teórica: observación,
descripción, análisis, indagaciones e historia del arte.
©
Para los niños la comprensión de su contexto
histórico-socio-cultural se hace más fácil a través de las clases de
educación artística ya que, por ejemplo, desde preescolar se comunican y
expresan por medio de la actividad plástica para poder situarse en su contexto
histórico-socio-cultural puesto que su vocabulario verbal es aún bastante
escaso y el escrito es inexistente.
©
Debido a las expectativas de los padres en el
proceso de alfabetización se disminuye la actividad plástica
©
Se introducirá en la clase la enseñanza
de los parámetros visuales para que (sin intención de que lleguen a expertos)
aprendan de forma progresiva a hablar de una obra de arte adecuadamente.
©
Objetivo: que el alumnado pueda opinar
sobre cuestiones estéticas al nivel apropiado. Teniendo la posibilidad en el
futuro de opinar mínimamente sobre una obra de arte, trabajo plástico o imagen,
pudiendo ser comprendida, disfrutada o criticada.
©
Se busca que los alumnos pasen por la mayoría
de los cinco estadios de la comprensión estética:
1)
Lector descriptivo:
se impresionan con los aspectos más llamativos de la obra y se guían por la
temática del cuadro. Hacen una lectura egocéntrica intentando relacionar la
obra con acontecimientos de su vida. Miran la imagen de manera rápida y
superficial.
2)
Lector constructivo:
relaciona las partes de las imágenes con su totalidad (percepción de la
jerarquía en los elementos).
à
El objetivo es edificar algún tipo de estructura
para leer.
à
Menciona la técnica y si está bien ejecutada o
no.
à
Está familiarizado con el arte.
à
Su juicio está fundamentado en lo que
cree que es verdad y está formado por las experiencias, recuerdos y por la
percepción del mundo.
3)
Lector clasificador: quiere
comprender la obra relacionándola con un contexto específico de informaciones
presentes en la propia imagen, en los elementos del lenguaje visual o en la
historia del arte.
à
Las emociones y preferencias son
disimuladas mediante explicaciones y justificaciones intelectualizadas.
à
Las asociaciones y evaluaciones se
refieren a los estándares y reglas aceptadas socialmente.
4)
Lector interpretativo:
el lector es menos objetivo a pesar de ser capaz de analizar y clasificar un
trabajo de are.
à
La interpretación está fundamentada en
las informaciones presentes en la propia imagen, en la intuición y en una
memoria cargada de afectos.
à
Cuando construye sus argumentos es menos
riguroso
à
Las justificaciones y las explicaciones aún
existen.
à
Percibe que pueden haber diferentes respuestas
para una obra de arte, incluso en un único espectador.
5)
Lector recreativo:
conoce el arte a través de ver la obra.
à
Tiene una experiencia en el análisis de las
obras de arte, una mente crítica y una postura responsable.
à
reflexiona sobre la experiencia estética
(equilibrio entre cognición y emoción).
©
Con el aprendizaje de la apreciación o
lectura el alumno adquirirá algunas responsabilidades socio-morales:
escuchar la opinión de los demás, respetar el trabajo de sus semejantes, la
universalidad del arte al observarlo, comprenderá que es un lenguaje universal,
entenderá otras culturas y pensamientos ajenos al suyo.
©
Conceptos:
Ø
Relectura o
interpretación: realización de una obra de arte, a partir de otra ya
creada, en un nuevo contexto con un nuevo sentido, es decir, reinterpretar
creando nuevos significados.
Ø
Copia: es una
habilidad técnica, sin transformación, sin interpretación, sin creación (
sentido de plagio)
©
Si se utiliza como referentes obras relevantes
dentro de la historia del arte es posible que un niño intente la copia aunque
lo único que puede desarrollar es una relectura ya que como doce Louis Porcher:
la espontaneidad pura es alfo que no existe; desde que nace, el niño es un
ser socialmente (lo que quiere decir que también culturalmente) marcado. La
virginidad natural con la cual era caracterizada es un mito.
©
Quien utiliza la copia no considera al alumno
como un ser cognitivo y corta las alas a la educación creativa y critica.
Además debilita la autoestima de los alumnos, ya que para un buen aprendizaje
se necesita que uno se equivoque, investigue, experimente la búsqueda de
soluciones a problemas generadores de dudas e incertidumbres ( inteligencia
activa)
©
Para Vygotsky imitar no es una mera copia
de un modelo, sino la reconstrucción individual de aquello que es observado en
los demás ( creación de algo nuevo a partir de lo que observa) y permite al
niño realizar acciones que están por encima de sus propias capacidades, lo que
contribuirá a su desarrollo.
§
Historia del arte como objeto significativo.
©
Los historiadores del arte mantienen
distintos puntos de vista:
Ø
Intrínseca: la
erupción fundamentada en el estudio de los materiales y las técnicas, las
condiciones físicas, la autenticidad, la adaptación y el origen; el estilo, la
iconografía y la función.
Ø
Extrínseca: examinar
e interpretar los factores extrínsecos y las circunstancias del lugar, el
momento y la biografía del artista (puntos de vista variados, como las
corrientes psicológicas, semióticas, económicas, ciencia, religión, sociedad,
cultura e historia.
©
En educación primaria se analizaran
algunos aspectos extrínsecos de la historia del arte: circunstancias del lugar
y momento, la biografía del artista, aspectos sociales, culturales e
históricos. Se cuanta a modo de cuento para facilitar su introducción.
©
La historia del arte debe adaptarse a los
cursos de primaria, por eso a partir de 3º curso de EP aprenderán a valorar
ciertos aspectos como la iconografía y la función de la obra para que
comprendan el porqué de la obra de arte moderna o contemporánea.
Ø
Se utilizan obras de
arte contemporáneo porque a partir de 3º curso comienzan a imitar y
estas obras más modernas son más fáciles de imitar porque utilizan una
iconografía semejante a la forma de los alumnos, permitiendo así la fomentación
de la continuidad de la actividad creativa del preadolescente.
§
La elección de artistas modernos o
contemporáneos se convierte en uno de los factores más importantes para la
continuidad del desarrollo del alumno mediante las Artes Plásticas.
§
Se intentara utilizar determinados
procedimientos, cuyos resultados visuales sean semejantes a la obra
anteriormente observada, lo que producirá gran satisfacción y confianza al
alumno.
Ø
Varios profesores y
psicólogos del arte opinaron que los niños no aceptaban el arte
abstracto pero no todo el arte moderno es abstracto ni todo lo abstracto es imposible
de entender.
Ø
Se debe evitar la
dictadura de la estética figuro-realista (mimética), aun presente, ya
que para eso está la fotografía la cual transformo los conceptos plásticos.
©
En la educación primaria se deberá demostrar
que la función del arte sobrepasa la barrera de la representación figurativo
ilusionista, ya que es una vía de expresión y comprensión del ser humano.
o
Producción activa.
§
El último momento de la clase será
destinado a la producción plástica, en la cual los alumnos tendrán la posibilidad
de expresar sus sentimientos, su creatividad y su imaginación. Además sumaran a
sus fuentes creativas la comprensión de su entorno, sus vivencias personales,
sus sentimientos, sus secretos, a las imágenes vistas en el momento de la
apreciación de la obra de arte. Lo que les aportara más posibilidades de
expresar su imaginación, ayudándoles a manifestar materialmente todos los
aspectos relacionados con la gramática visual. Ordenando así, sus experiencias
personales a nivel plástico y desarrollando el aspecto
psico-afectivo-cognitivo.
§
Durante el transcurrir de la clase
hablaremos de los materiales plásticos y las técnicas que serán empleadas.
§
Hay 4 factores generales que parecen
relacionados con la producción de formas visuales:
©
Habilidades en el tratamiento del material.
©
Habilidades en la percepción de las
relaciones cualitativas entre las formas producidas e n la propia obra,
observada en el entorno e imágenes mentales.
©
Habilidades en inventar formas que
satisfagan a quien las realiza dentro de los límites del material con el que se
trabaja.
©
Habilidad en la creación de orden espacial,
estético y de la capacidad expresiva.
§
Una determinada técnica puede seducir en
un principio a un alumno aunque su aprendizaje no se torne efectivo, generando
decepción y favoreciendo el abandono de su actividad plástica, cuya
consecuencia puede generar las dos crisis que suelen aparecer alrededor de los
7 y 11 años, siendo pocos los que las consiguen superar por sus propios medios.
·
Capítulo III: la estampa en la educación
plástica infantil. Consideraciones generales.
o
Consideraciones generales.
§
Los sistemas de estampación desde sus inicios
con la aparición del papel, hasta la segunda mitad del siglo XIX tuvieron como
única finalidad: transmitir la cultura mediante informaciones visuales
exactamente repetibles.
§
Con la aparición de la fotografía y su
introducción se sustituyeron los viejos sistemas de reproducción, por tanto
el concepto de grabado como medio de reproducción quedó totalmente aniquilado,
lo que permitió una nueva visión y una separación entre el concepto de grabado
de reproducción y el grabado original (finalidad plástica o creativa).
§
En la metodología planteada: la estampa
se entiende como un medio de creación estética y principalmente como un medio
cognitivo del aprendizaje hecho plástico.
o
La estampa como medio de aprendizaje.
§
Los dibujos y las estampas se han visto como
coleccionables a lo largo de la historia.
§
Para realizar una estampa ha de existir
un soporte que permita la reproducción de la matriz ( impidiéndole convertirse
en dibujo, pintura u otro medio de creación)
§
Las posibilidades estatico-plasticas de los
medios de estampación: se parecen a las del dibujo o la pintura pero,
además, aumentan las posibilidades estético-plásticas de los alumnos de la E.P.
§
La evolución técnica de la estampa ha
provocado que se encuentre en la actualidad integrada con los diversos
lenguajes plásticos como un medio de expresión autónomo.
§
La estampa no es un medio de expresión
directo como la pintura o el dibujo, ya que requiere la elaboración previa
de una matriz que, a pesar de la dificultad de hacer el molde, produce placer
en los alumnos ya que éstos tienen una sensibilidad intrínseca hacia la
artesanía o manualidades.
§
Los motivos para usar la estampa como
medio básico de creación para la educación plástica en E.P son: el carácter
experimental, intercambiable, de multiplicación, de transformación, de
manipulación, de su fácil acceso a la gramática visual de una forma más lúdica
y presenta la técnica como un aprendizaje mecánico capaz de desarrollar la
capacidad creadora y la actividad del alumno como individuo.
o
La estampa como juego: un camino
sensibilizador hacia el desarrollo.
§
La estampa como una actividad lúdica: ha
de reunir un sistema de reglas que lleva consigo el placer del juego y la
adaptación de la realidad. Además estimula su desarrollo permitiendo
actividades superiores a su capacidad cognitiva real
§
La estampa en nuestra propuesta metodológica:
se presenta como un medio seductor que induzca al alumnado hacia el juego con
las herramientas o reglas propias de los sistemas de estampación para lograr
que las dos crisis de la expresión plástica infantil sean fácilmente superadas.
§
La capacidad de abstracción se concreta en el
niño a partir de los 10 u 11 años, pero todo el aprendizaje anterior
mediante el juego queda almacenado
§
La creación de la cultura es un acto de la
imaginación humana.
©
Los materiales e instrumentos de estampación
(juguetes): satisfacen su necesidad investigadora, manipuladora y
organizadora de los materiales e instrumentos en situaciones nuevas para
atender a sus necesidades lúdicas.
©
La estampación como juego: favorece el
desarrollo de la sensibilidad, del pensamiento y el hecho o fenómeno creativo
del niño/a.
o
La estampa como colaboradora del desarrollo
de la imaginación.
©
Lo que diferencia al hombre del animal es la
imaginación.
©
Mediante la imaginación: el hombre se
enfrenta a la materialidad del mundo real, lo transforma y construye.
©
Para la ciencia, que busca el ideal de
objetividad, la mente-espejo es la forma más segura de conocimiento, lo que
corresponde a la exigencia de que la imaginación sea eliminada.
©
El acto del conocimiento y del aprendizaje:
están dirigidos y orientados por la imaginación.
©
La estampa es un elemento colaborador de la
creación por sus características intrínsecas (transformación, mutación,
repetición etc.), ya que está fundamentada en la combinación.
o
La estampa como elemento estructurador del
placer estético y de la percepción del mundo exterior.
§
Se necesitan desarrollar los sentidos para
formar la sensibilidad, ya que a través de ellos se produce el aprendizaje.
©
El nivel de aprendizaje dependerá del
interés, de la memoria y de la transferencia.
©
los sentidos más importantes para el
desarrollo del alumno son:
Ø
la vista: ofrece
información inagotable de los objetos y acontecimientos del mundo exterior. Nos
permite establecer comparaciones, imaginar y memorizar.
Ø
el tacto: a
pesar de ser independiente, en los procesos de estampación actúa como
coadjutor, pues la presión será un factor intrínseco a la propia obra, así como
el desarrollo de más habilidades táctiles para trabajar con los diversos
materiales y herramientas
Ø
el oído.
§
el placer estético: percepción directa de
las armonías y ritmos que guardan su verdad.
©
Reside en la propia sensibilidad, en el
propio acto de percibir, así como en la vivencia de la armonía descubierta
entre las formas dinámicas de los sentimientos y del arte.
·
Capítulo IV: Técnicas de estampación en la
educación primaria.
o
Consideraciones generales.
§
Para la elaboración de nuestra propuesta
metodológica hemos elegido, dentro de los procedimientos de le estampa,
aquellos que por sus características consideramos más oportunos y que nos han
ayudado a demostrar la hipótesis planteada.
©
A nivel técnico, mediante la
incorporación de nuevos materiales, se han readaptado algunos procedimientos de
la estampa bajo los mismos conceptos que plantean los sistemas de estampación
tradicionales, lo que ha posibilitado un resultado estético-plástico coherente
y una adecuación para el alumnado de la E.P
§
La técnica: conocimiento, manejo y
aplicación adecuada de una pluralidad de recursos y posibilidades que llevan la
materia a una metamorfosis y conformación que hacen tangible el contenido
plástico creativo de una obra.
©
Se trata de un lenguaje que organiza,
articula la percepción y la reflexión.
©
Las técnicas ayudaran al educador a convertir
el aula en un taller donde se crean valores materiales.
©
Las técnicas son elementos activadores del
desarrollo de la capacidad creadora y de la actividad del niño ( le ayudan a
alcanzar su realización)
©
Para el alumno: las técnicas de
estampación, materiales y herramientas estarán en pro de unas disposiciones
específicas adecuadas a su condición infantil a la creación lúdica y plástica
del niño.
©
Los diversos materiales, herramientas y
técnicas que podemos utilizar para llevar a cabo una huella (estampa)
estarán relacionados con los conceptos tradicionales y con el desarrollo
tecnológico de los medios de estampación actuales.
©
Los materiales, herramientas y técnicas a
utilizar se dispondrán en relación al nivel cognitivo del alumno, en sus
distintas etapas de desarrollo.
©
Las herramientas peligrosas se han de
eliminar en los primeros cursos de E.P y sustituirlas por otras, por ejemplo
las tintas grasas se pueden sustituir por las tintas a base de agua no toxicas.
o
Técnicas desarrolladas en esta propuesta
metodológica:
§
Antes de empezar.
©
Los métodos: simples y provocaran una
gran experiencia en el alumnado.
©
Los procedimientos técnicos: adecuados a
los distintos niveles de desarrollo del alumno a lo largo de E.P
©
Se restringirán las herramientas: por el
grado de peligrosidad, el coste, la dificultad y dificultad de adquisición.
§
Monotipo.
©
Definición: procedimiento que consiste en
realizar una estampa única e irrepetible. Se encuentra en los límites entre la
pintura y la estampa.
Ø
Algunos aspectos
positivos son: es un proceso fácil que cualquiera puede realizar, es una
fuente de regocijo, tiene mucha espontaneidad, frescura y libertad en las
directrices.
Ø
Algunos aspectos
negativos son: puede ser considerado un medio tramposo y superficial.
©
Orígenes.
Ø
Durante el
renacimiento, Leonardo Da Vinci, Michelangelo y Rembrant lo han empleado,
aunque no hay evidencias de ello.
Ø
La primera
utilización del monotipo se le atribuye al pintor Italiano Giovanni
Benedetto Castiglione:
§
¿cómo trabajaba el monotipo? él cubría la
plancha de metal con un delgado velo de tinta sobre el cual dibujaba con una
pluma realizando, la composición. Cuando lo estampaba, el cuadro se veía como líneas
blancas sobre un fondo negro.
§
Después de su muerte hay evidencias de
que el monotipo continúo empleándose y estudiándose seriamente. Aunque para los
artistas de esta época, sus estampas eran realizadas por algún asistente.
Ø
En 1870 los artistas
comenzaron a mostrar mayor interés por la estampación de sus trabajos
implicándose físicamente en las operaciones de estampación.
Ø
Este enfoque nuevo
condujo al redescubrimiento de los monotipos.
§
Se inventó un nuevo
proceso que fue bien conocido en
los círculos artísticos entre los siglos XIX-XX aunque no floreció ampliamente,
Ø
En el siglo XX el
monotipo fue introducido en los programas de los estudiantes.
Ø
En la actualidad esta
técnica es usada tanto como medio de estudio para el planteamiento de estampas
por parte de los artistas y como elemento o recurso de aprendizaje en los
colegios.
©
Características:
Ø
No tiene capacidad
de multiplicarse.
Ø
Muestra rápidamente como
puede realizarse una impresión a partir de una superficie entintada.
Ø
Rápida exposición.
Ø
Simplicidad del
medio: es atractiva para los niños de E.P.
Ø
Libertad para
hacerlo es estimulante.
©
Desarrollo:
Ø
¿cómo es la mecánica
del monotipo? Muy simple.
Ø
Materiales: se
necesita una solución de dibujo, una superficie lisa y plana, una hoja
de papel receptora y algo para hacer presión ( puede ser la propia mano)
Ø
Importante:
los alumnos han de observar los distintos procedimientos de forma global y no
como métodos aislados.
Ø
Procedimiento:
Sobre una superficie plana y lisa se realizara una solución de dibujo que configurara
una imagen. Sobre esta imagen se depositara una hoja de papel y se aplicada
cuidadosamente una ligera presión. Tras este proceso la imagen se transfiere de
la superficie lisa y plana, al papel.
©
Existen dos grandes grupos de monotipos:
Ø
Monotipo realizado
mediante presión: aquellos procedimientos en los cuales, para que se
produzca el reporte de la tinta al papel se necesita de una mínima presión a
través de diversos instrumentos o herramientas.
à
Dependiendo del
modo de configuración de la imagen sobre el soporte pueden ser:
-
Configuración
directa.
-
Configuración
aditiva.
-
Configuración
substractiva
-
Transfer
-
Rubbing.
à
Características
generales.
-
Pueden ser rápidos y
espontáneos o reflexivos y pintados, dependiendo de circunstancias y
personalidades.
-
La imagen se puede
construir con una gran variedad de medios sobre una superficie rígida.
à
Procedimiento:
una hoja de papel delgado se deposita sobre la imagen construida sobre la
plancha, frotando su reverso con la mano y otro elemento, de forma que la
imagen se transfiera al papel.
à
Equipo y
materiales:
-
El soporte con la
tinta ha de ser plano, liso y no absorbente.
-
Los materiales
constituyentes como solución de dibujo se dividen en 3 bloques:
ú
Materiales en
estado sólido: pasteles grasos, lápices acuarelables, lápices de
colores…
ú
Materiales en
estado semisólido: tintas Akua_kolor water based ink, barras de
color diluidas, lápices acuarelables…
ú
Materiales en
estado líquido: rotuladores, acuarelas, pintura acrílicas…
-
Entre las muchas e
ilimitadas materias susceptibles de ser entintadas y estampadas mediante
presión están:
ú
Orgánicos: hilos, cuerdas, filamentos
plásticos, trapos, gasas, hojas, plantas etc.
ú
Elementos inorgánicos: encajes,
puntillas, trozo de tejidos diversos…
-
Otros materiales que
pueden usarse: paleta de entintado, cucharas de madera, rodillos de
distintas durezas, agua, solventes…
Ø
Monotipo realizado
mediante aire: acción que el aire ejerce sobre una superficie absorbente
determinada, en la que se consiguen plasmar una serie de sanciones o elementos
formales.
à
Equipo y
materiales.
-
Plantillas que
pueden hacerse a mano o ser industriales.
-
Pulverizador manual
( laza el color sobre el soporte)
-
Soporte absorbente.
-
Aire como elemento
impresor.
-
Material de
limpieza.
-
Agua
-
Pinturas.
à
Procedimiento:
se coloca la plantilla sobre el soporte, después con el pulverizador se
pulveriza la plantilla y el soporte, cuando se quita la plantilla queda un
dibujo.
à
Variantes en el
procedimiento:
-
Las plantillas se
pueden usar combinándolas o moviéndolas mientras son pulverizadas.
-
Se pueden usar
materiales como redes para ser pulverizados,
-
Se pueden usar
distintos tipos de superficies con distintos acabados para provocar relieves,
tijeras, cuchillas etc.
-
Se pueden usar
distintos tipos de papel.
§
Procedimientos de estampación en relieve.
©
Orígenes.
Ø
El más antiguo de
ellos es la xilografía ( grabado en madera) que se había desarrollado en
Oriente varios siglos antes de que comenzara la historia de la estampa
occidental
Ø
El concepto de
estampación hace en China con una finalidad didáctica.
Ø
En occidente, la
estampación en relieve tiene su origen a finales del siglo XIV con finalidad
didáctica.
Ø
En el siglo XVIII
aparecerá el contra fibra (un nuevo concepto de xilografía) por estar la madera
cortada en sentido transversal al tronco del árbol. Aunque nunca consiguió una
arraigada aceptación.
Ø
En el siglo XIX el
grabado vuelve a ser protagonista como forma de expresión plástica
Ø
Con el tiempo el
grabado en relieve se ha visto enriquecido y ensanchado favorable e
ilimitadamente por los nuevos materiales como el linóleo ( materia artificial)
©
Procedimiento: sobre una superficie lisa
no absorbente se pasa un rodillo, este se carga de tinta de impresión densa y
se desliza sobre la superficie de una plancha tallada con la imagen que se
quiere estampar. Después se coloca el papel sobre la plancha y se frota su
envés con una superficie dura y redondeada (dorso de una cuchara o un baren)
aunque la impresión más rápida y eficiente se realiza con una prensa vertical o
una prensa de rodillos en la que el papel se coloca sobre la plancha entintada
y se cubre con una capa protectora antes de someterla a la presión de la prensa
creando también un relieve en su reverso.
©
Característica principal: necesita muy
poca presión para obtener la estampa.
©
¿cómo se trabaja en E.P?
Ø
Elementos y
materiales de forma independiente. Sellos.
à
Función de los
sellos: marcar o imprimir la imagen que ofrecen en el relieve.
à
Proceso:
se usa un tampón de tele o esponja donde se deposita la tinta. Se moja el
sello en el tampón y luego se coloca el sello en la superficie a estampar.
à
Los sellos se
pueden clasificar en dos grupos:
-
Sellos naturales:
el primero en utilizarse en E.P serán las huellas de las manos.
-
Sellos artificiales:
hay de distintos tamaños y formas.
à
Se pueden usar
multitud de materiales como sellos y para hacer sellos.
Ø
Xilografía a fibra:
método sencillo que consiste en eliminar de una plancha de madera plana,
suficientemente espesa y resistente a la presión, aquellas zonas que tras el
dibujo previo sobran en la plancha.
à
Es una técnica
clásica de estampación en relieve indicada para el último ciclo de primaria
a causa de la peligrosidad de las herramientas.
à
La madera.
-
La madera elegida
dependerá de la naturaleza del grabado que se pretende realizar, pero
para el colegio proponemos que se utilicen maderas de consistencia más blanda.
-
Una vez elegida la
cortaremos en las dimensiones deseadas.
-
Posteriormente con
una lija fina se lijara suavemente la superficie donde se vaya a
trabajar y ejerciendo la misma presión en toda la superficie de la plancha.
-
Para conferir a la
herramienta un corte más fácil y seguro, aplicaremos sobre la superficie
de la plancha una mezcla de goma laca y alcohol 50%
à
Herramientas:
-
cuchillos, gubias y
escoplos con distintos acabados y perfiles, bien afilados.
-
Piedras de afilar,
aceite, papel de esmeril fino.
à
Procedimiento:
1) Aplicación de una capa de aceite de linaza por ambas
caras y bordes de la plancha para evitar la absorción de humedad.
2) El dibujo será realizado:
ú
Con un lápiz blando sobre un papel fino.
La imagen así dibujada se depositara y fijara al taco de madera con la ayuda de
cinta adhesiva. Frotando enérgicamente con una cuchara todo el dorso del dibujo
la imagen pasara ya inadvertida a la plancha.
ú
Se interpone entre el dibujo y la plancha un
papel carbón. Repasando el dibujo con una ligera presión, este quedara
perfectamente calcado.
3) Una vez la imagen sobre la plancha se comenzara a tallar.
Posteriormente con la ayuda de una gubia vaciaremos aquellas áreas que serán
blancas en la estampación, luego se harán las partes menores y por último los
detalles.
4) Una vez la plancha ha sido tallada se procederá a
tintarla extendiendo con la ayuda de una espátula, una cantidad moderada
de tinta sobre una superficie totalmente pulida como un cristal o una formica.
5) Se extiende totalmente la pintura con el rodillo y luego
este se pasa sobre la plancha.
6) La plancha se coloca sobre el papel de estampación que
debe ser ligero y sensible a la tinta con una superficie lisa.
7) Se hace presión con la mano o con un rodillo
limpio de caucho y se levanta la plancha, quedando estampada la imagen deseada.
Ø
Linóleo:
material formado por una arpillera recubierta de una capa espesa de linoxin
(mezcla de un aceite polimerizado con corcho y pigmento) como soporte o plancha
es mucho más fácil de dominar.
§
Es una técnica clásica de estampación en
relieve indicada para el último ciclo de primaria a causa de la
peligrosidad de las herramientas, pero muy apta para todos los ciclos por la
blandura del lineo.
©
El dibujo
se hace como en la xilografía.
©
Las
herramientas para su talla son las mismas que las utilizadas en la xilografía.
©
Para su
entintado es aconsejable un rodillo blando.
©
El proceso
de entintado y estampación es análogo al del grabado xilográfico.
Ø
Hay técnicas de
grabado con muchos más materiales.
Ø
Técnica aditiva.
Variante en relieve.
à
Definición: Combinación
de distintos materiales de collage (imágenes, formas, texturas...) entintados
que dan lugar a la estampa, a menudo son dimensionales y táctiles.
à
Parece encontrarse en ellas las nuevas técnicas del grabado: permiten trabajar con la multiplicidad de los materiales.
à
Características:
-
Un grabado se puede
realizar y alterar con facilidad.
-
Existe una riqueza y
variedad de caracteres del grabado:
Estimulación inventiva y desarrollo.
-
Tiene la
cualidad excelente de las colas sintéticas (resistencia,
dureza y flexibilidad) que admiten sin deterioros las incidencias de cualquier
plancha de carácter tradicional.
à
Materiales a groso modo:
Papel, tela, resina acrílica y vinílica, hilo, alambre, tela metálica, madera,
cartón, pinceles, gubias, puntas, palos de modelar, tijeras, espátulas,
cuchilla rectable, rodillos de distintas durezas, paleta de entintado, tiras
finas de metal, virutas, plástico, monedas, llaves, hojas, rodillos de gelatina
y caucho, tórculo o prensa vertical, papel de periódico o papel tisú, papel de
toalla o trapos, agua o agente limpiador vegetal ( A.L.V. Fabricado por
Arteina), arena, papel de lija, carborundum, serrín etc.
à
Procedimiento:
-
La matriz debe ser una superficie plana (contrachapado, cartón, papel,
plexiglás, plástico, laminado, madera, linóleo, cuero, etc) sobre la que se
pegan varios materiales (deben ser uniformes) y capas de adhesivos, conformando
así la plancha (no muy gruesa, sólo unos milímetros).
-
Una vez elegido el material para la matriz, se impermeabilizará mediante una capa delgada de polímero
o de gresso acrílico.
-
La construcción de
la plancha se realizará atendiendo a tres procedimientos o métodos bien
diferenciados:
ú
El método collage: adherir diversos materiales sobre una superficie como
elementos constitutivos de la imagen que permiten incorporar en la estampa, las
texturas y calidades de infinidad de elementos y materiales. Una vez preparada
la matriz, se procede a la elección y adherencia de los materiales para
construir la imagen.
ú
El método de talla: permite elaborar estructuras lineales mediante las
herramientas propias del grabado tradicional ( detalles complejos a partir de
trazos delicados)
ú
El método pictórico
(fácil de ejecutar y con mayor impacto): Ofrece innumerables posibilidades
visuales, permitiéndonos trabajar directamente con las herramientas del pintor,
pinceles, brochas, espátulas, etc. Nos permitirá incorporar a la matriz la
huella de cualquier objeto tanto orgánico como inorgánico.
§
Estampación en hueco.
©
Orígenes:
Ø
La primera estampa
aparece en el siglo XV y se conoce como la Flagelación de Cristo,
del Gabinete de Estampas de Berlín.
Ø
Los primeros
trabajos en hueco aparecen en los talleres germánicos e italianos realizados a
buril.
Ø
A comienzos del
siglo XVI se desarrolla el aguafuerte para tallar sobre la plancha,
culminando en el siglo XVII con Rembrandt.
Ø
Entre los siglos
XVIII y XIX se explotarán nuevas posibilidades del grabado en hueco
enriqueciendo el potencial del aguafuerte y utilizando recursos prácticos y
creacionales en aguatinta, barniz blanco, madera negra, etc.
Ø
Actualmente,
las técnicas tradicionales de hueco se han visto ensanchadas y enriquecidas por
un sin fin de materiales derivados de las nuevas tecnologías.
©
Definición: Toda plancha o soporte
-tradicionalmente de metal- donde las tallas o heridas para configurar la
imagen son las encargadas de recoger la tinta que posteriormente es transferida
al papel.
©
Características:
Ø
Materiales tóxicos y
peligrosos: se evitará, por tanto su uso como actividad de plástica en
las escuelas.
Ø
Necesita de una gran
presión para que se estampe.
Ø
Las tallas o heridas
pueden ser de diferentes profundidades con lo que retendrán cantidades
variables de tinta (una línea puede ser más clara o más oscura, más gruesa o
más delgada etc)
Ø
Las estampas en
hueco serán más oscuras y más fuertes las primeras veces.
Ø
La superficie de la
plancha se deteriora, ocasionando que las tallas más profundas lleguen a
ser más superficiales y las más superficiales o delicadas, puedan llegar a
desaparecer íntegramente.
Ø
Muy expresivo.
©
Procedimiento:
Ø
Sustraer parte del
material de la plancha para realizar una imagen, la sustracción del
material se puede hacer con herramientas propias del grabado o químicamente.
Ø
Una vez elaborada la
imagen, se pasa al entintado: llenar totalmente cada hueco o talla de la
plancha con la ayuda de un embadurnador.
Ø
Se limpia la
superficie, dejando pintadas únicamente las tallas que forman la imagen.
Ø
Se coloca el papel
sobre la plancha y se ejerce una presión sobre ambos mucho mayor que en
otras estampaciones, ya que el papel ha de alcanzar la profundidad de todas las
tallas: para ello se utiliza una prensa (tórculo) y la humectación del papel
previamente ( papel humectado se posa sobre la plancha entintada y a ambos
lados unas mantas de lana gruesas antes de pasar este emparedado completo bajo
los cilindros tórnicos, que presionan las mantas y fuerzan al papel a
introducirse en las tallas).
©
En educación primaria: se utilizará la
punta seca y las nuevas tecnologías como plásticos laminados (P.V.C. Espuma)
Ø
Punta seca:
à
Definición:
Incisión directa con una punta sobre una plancha tradicionalmente de metal
que es poco profunda (no corta el metal, lo aparta a la izquierda y/o derecha)
dando lugar a lo que denominamos rebabas o barbas que son las que forman el
dibujo.
à
Características:
Técnica más frágil del grabado calcográfico (fragilidad de las barbas). La
presión y el entintado de la matriz son los factores que más desgastan la
plancha.
à
Materiales:
-
La tinta: debe ser ligera ( generosa en aceite o gel)
-
El papel debe
de ser elástico y flexible y con alta resistencia a la compresión. (permitiendo
la permeabilidad y la absorbencia).
-
Plancha: de zinc, latón, cobre,
celuloide, plexiglás, acero, aluminio.
-
Perforación:
punta cónica y de lengua de gato de acero, punta de diamante o rubí, rascador
triangular de acero, bruñidor de acero o piedra ágata, pasta abrasiva, papel de
lija, esmeriladora, piedra de afilar o piedra de Arkansas y aceite para afilar.
-
Métodos directos del
grabado: el boceto se puede llevar a la plancha a través de un espejo,
de este modo, la imagen queda invertida de izquierda a derecha.
à
Procedimiento.
-
1º un dibujo realizado con un bolígrafo o un lápiz blando
sobre un papel se puede transferir directamente a la plancha: humectaremos
el papel como si fuéramos a estampar y luego lo depositaremos sobre la plancha
colocando al anverso del dibujo en contacto con el metal, pasándolo
posteriormente bajo la presión del tórculo.
-
2º Para tallar la superficie de la plancha:
tendremos que empuñar firmemente la punta e iniciaremos la acción de grabar.
Observaremos que con la misma punta y bajo la misma presión se pueden realizar
tres tipos de líneas bien definidas entre sí:
ú
Si atacamos el metal con la punta vertical
(ángulo de 90º): la línea producida será poco profunda, de barbas muy
irregulares y no muy pronunciadas.
ú
Si
atacamos el metal con la punta ligeramente inclinada (ángulo de 60º): la
barba producida estará en el lado opuesto al que se ha inclinado la punta, será
más pronunciada y menos regular.
ú
Si
inclinamos mucho la punta (ángulo de 30º): la barba se formara a modo de
hoja de sierra, muy irregular y frágil.
-
3º, si encontramos
zonas de la plancha oscuras o líneas talladas en exceso: pueden
aclararse raspando las barbas con el rascador cuando la tinta está embutida en
las tallas.
-
4º Si deseamos eliminar una talla completamente:
rascador en primera instancia para cortar la talla y posteriormente el bruñidor
para igualar la superficie del metal, dando lugar a lo que los grabadores
denominan punta seca desbarbada.
Ø
P.V.C. Espuma:
Material que se puede encontrar en gruesos que oscilan entre uno y cuatro
milímetros de grosor, es blando, poroso y de naturaleza inerte.
à
Materiales:
-
Como matriz:
planchas de menor grosor ( un milímetro)
-
Materiales de
collage de diversa índole
-
Herramientas de
corte como tijeras o cúter.
-
Cola blanca de
secado rápido.
-
Soporte de cartulina
donde realizar la impresión.
à
Objetivo: crear una disposición de
superficies y niveles que una vez presionados produzcan una talla sobre la
matriz de P.V.C.
à
Procedimiento:
-
1º Realizar la
composición deseada sobre una cartulina.
-
2º Elegir y adherir
sobre la cartulina los diversos materiales de collage encargados de construir
el diseño o imagen a ser estampada.
-
3º Una vez la imagen
ha sido configurada sobre la cartulina, ésta unida a la matriz, se
someterán a la presión del tórculo quedando transferidas con fidelidad sobre la
plancha de P.V.C. Espuma, las huellas de los elementos de collage.
-
4º una vez configurada
la plancha, sólo restará proceder a su entintado, limpieza y estampación
de igual forma que otro grabado en hueco.
Ø
Técnicas aditivas.
Variante en hueco: sigue siendo un collage
que por las condiciones físicas del medio empleado (las resinas sintéticas)
permite la estampación de la imagen del mismo modo que un aplancha tradicional
del grabado calcográfico.
à
Procedimiento:
-
En la variante de
hueco la tinta se deposita en el interior de la matriz mediante la ayuda
de un pincel, una muñequita de tarlatana u otro objeto embadurnador, sometiendo
la plancha posteriormente a una operación de limpieza mediante la tarlatana del
mismo modo que cualquier otro de los procedimientos del hueco.
-
Para que el papel pueda penetrar en el interior de las
tallas realizadas, éste debe de estar ligeramente humectado con la
finalidad de ofrecerle flexibilidad y pueda penetrar en el interior de las
mismas.
§
Estampación permeográficos.
©
Dos orígenes
en occidente:
Ø
El más antiguo
se refiere a la fabricación de esténciles que se encuentra en el Pirineo, en
las Cuevas Magdalioneses (14000-9000 a.c) con huellas de manos hechas soplando
pigmento a través de un carrizo o hueso. Han tenido muchos usos:
à
En el mundo antiguo los esténciles
tuvieron aplicaciones diversas: decoración de tumbas egipcias y mosaicos
griegos.
à
En Roma Clásica:
letreros pintas
à
En china
(221-618 a.c): producción en masa de imágenes de Buda.
à
En la edad
media se usaba la primitiva serigrafía: pintar con chapapote sobre una tela
lisa estirada y se dejaba secar, creándose así un esténcil negativo. Luego con
un cepillo duro, se hacía pasar la tinta a través del área libre de chapapote.
Las imágenes producidas eran de motivos sencillos.
Ø
El más reciente que
involucra la tecnología de las tintas y sedas:
à
Con la importación
de Occidente de marcos de madera japoneses (siglo 19) se inicia el segundo desarrollo histórico, que es quizá el más
ortodoxo: colocar los esténciles sobre una seda fija significaba registrar
y granear con cepillo intrincados diseños con gran precisión.
à
William Morris:
la utilizó para hacer serigrafía sobre tela.
à
En 1907 se le
concedió a Samuel Simón la primera patente para un sistema de elaboración
de esténciles con un bloqueador aplicado directamente sobre la pantalla, que permitía
un esténcil con detalles más finos. Después se inventó el rasero (permite tener
un deposito con el cepillo de granear).
à
Durante la
Primera Guerra Mundial: el medio se utilizó ampliamente en la producción de
estándares y banderines.
à
Los primeros
fotoesténciles de 1915 (material barato y de alta calidad): los que
trabajaban la gráfica, el grabado y la litografía se derrumbaron con la caída
de la bolsa de valores de 1929. Los artistas tenían que producir artículos
baratos para consumo doméstico, así que se volvieron hacia la serigrafía,
trabajando en proyectos con frecuencia financiados por organismos
gubernamentales. Las impresiones se hacían pintando directamente sobre la
pantalla (método de goma y tusche). Para diferenciar las imágenes hechas a mano
de aquellas producidas por los impresores profesionales, los artistas las
denominaron “serigrafías”.
à
En los años 50,
Luitpold Domberger (empresario y editor de Stugart) ofreció su estudio a
artistas como Joseph Albers, William Baumeister y Víctor Vasarely y tomó un
medio primitivo y lo refinó para producir obras de arte impresas (OP Art).
-
En EE.UU, Jack
Pollock y Ben Shalin experimentaron el medio y se toparon con que los
coleccionistas y corredores de arte tenían prejuicios contra éste, pero esta
actitud cambió radicalmente cuando Andy Warhol, Roy Liebtenstein y Robert
Rauschenberg comenzaron a utilizar el medio para producir ( estilo pop)
-
En Gran Bretaña
se desarrollo paralelamente con artistas como Richard Hamilton, Eduardo
Paolozzi, R.B. Kitaj y Joe Tilson, que trabajaban con Charis Prater en el
Estudio Kelpra ( Arte Contemporáneo)
à
Los años 60 anunciaron
una revolución tecnológica con la introducción de delgadas tintas de película y
mallas ultrafinas.
à
A finales de la
década de los 80 se renueva el interés por las impresiones por la expansión
del mercado de los Estados Unidos, el Lejano Oriente y del mercado corporativo
en las impresiones ( inversiones) que provocó en el serigrafía:
-
Un aumento de las
ediciones.
-
Los artistas
vuelven a trabajar directamente en la elaboración del esténcil, produciendo
ediciones pequeñas, incluso monotipos.
©
Definición
de serigrafía: forma simple para hacer impresiones que implica el uso de un
esténcil aplicado a una malla de seda que se estira sobre un marco rectangular
rígido en el que se deposita la tinta y se extiende con un rasero (raqueta)
sobre las áreas abiertas del esténcil. Esta acción produce una imagen cuando la
superficie inferior de la pantalla entra en contacto con el material sobre el
que se va a imprimir.
©
Definición
de Esténcil: forma elemental que puede ser una hoja de papel delgado con un
agujero en el centro. La hoja se pega en la parte inferior de la pantalla.
Ø
Uso del esténcil,
por ejemplo en las tradicionales plantillas de letras:
à
si se recorta
la letra A de un esténcil: queda un hueco en la plantilla (imagen negativa)
que al imprimirse se vuelve positiva.
à
Si se recorta
la parte que rodea a la letra: para formar una imagen positiva, la
impresión resultante será negativa.
à
Las pantallas
para impresión se desarrollaron a partir de los marcos llevados de Japón a
Europa a mediados del siglo XIX.
©
De
todos los procedimientos de la estampa
los sistemas de estampación permeográficos (la serigrafía): ofrecen más
posibilidades en lo referido al color y no es necesario invertir en la imagen.
Ejemplos de los métodos de clisado directos o manuales…
Ø
Esténciles de papel
cortado o rasgado: Los
más sencillos de hacer y usar (rápidos, simples, económicos y soportan una
edición de hasta 300 ejemplares) Todas las copias han de estamparse en una sola
tirada. Se pueden hacer de cualquier papel delgado, como papel de periódico,
papel de calco etc.
à Materiales:
-
Papeles de distintos
tipos.
-
Tijeras.
-
Cuchilla rectable.
-
Pantalla.
-
Raqueta de perfil
rectangular
-
Nylon de entre 24 a
90 hilos ( recomendable)
-
Tintas TW Graphics
-
Agua
-
Arteina A.L.V (agente
limpiador vegetal).
-
Papel toalla o
trapos de limpieza.
-
Juego de torretas o
bisagras.
à Procedimiento: El papel se pega al lado inferior de la pantalla con tinta de
impresión o con cinta adhesiva:
-
Un agujero rasgado o
cortado en el centro de una hoja de papel periódico produce una imagen impresa positiva.
-
Producir imágenes
negativas colocando
trozos de papel cortado o rasgado en el material a imprimirse, bajando la
pantalla y pegándolos a la malla mediante la raqueta y la insta de impresión.
-
Los diseños más
complicados que tengan piezas “flotantes” de esténcil deben pegarse a la pantalla con sellador o
tinta y dejarlos secar antes de imprimir la imagen.
à Problemas
con esténciles de papel:
se desintegran muy rápidamente y no deben usarse con pantallas muy bastas (la
tinta tenderá a reventarse) o muy finas (no permiten que la tinta penetre lo
suficiente).
Ø
Método de goma y tinta
litográfica (tushe): Muy
popular porque permite trabajar con una imagen en positivo (cualquier marca que
se haga en la pantalla será posteriormente reportada al papel).
à Materiales:
-
El tusche (tinta
litográfica negra grasa
que puede sustituirse por betún de Judea dando buenos resultados), el tusche
puede sustituirse por tinta de serigrafía.
-
La goma arábiga, que puede sustituirse por un
bloqueador azul adelgazado con un 5% de ácido acético.
-
Pantalla.
-
Pinceles.
-
Trozos de cartón o
raedera.
-
Tintas TW Graphics.
-
Agua
-
Arteina-A.L.V
-
Papel toalla o
trapos de limpieza.
-
Juego de torretas o
bisagras.
à Procedimiento:
-
1º con la tinta
litográfica o materia grasa se realiza la imagen sobre la pantalla.
-
2º, se recubre la
pantalla de una capa de líquido de relleno exclusivamente acuoso (una capa
delgada de goma o bloqueador celulósico).
-
3º se deja secar.
-
4º Se vuelve la pantalla
y se la recubre de trapos impregnados de Arteina-A.L.V.
-
5º Al cabo de unos
minutos la tinta o materia grasa se ablanda desobturando la pantalla.
-
6º Se dala vuelta
de nuevo a la pantalla y se frota vigorosamente de ambos lados con trapos,
primero impregnados en becina o aguarrás y luego secos: El líquido de relleno que reposa
sobre la tinta se irá fácilmente, dejando la pantalla abierta en los lugares
que se han de imprimir correspondientes a la imagen.
Ø
Método de lápices
grasos (variante del método de goma y tinta litográfica): Posibilitará la incorporación de las
calidades gráficas del lápiz y la incorporación mediante frotagge de múltiples
calidades de objetos distintos.
à Materiales:
-
Tintas TW Graphics
-
Juego de torretas o
bisagras
-
Papel toalla o trapos
de limpieza
-
Arteina-A.L.V
-
Agua
-
Lápices litográficos
de los números 1,2 y 3.
-
Lápices de cera
-
Barras de oleo.
-
Pasteles grasos.
-
Pantallas de 68 a
120 hilos.
-
Raqueta y raedera.
-
Materiales para frotagge.
-
Goma arábiga o
bloqueador.
-
Se puede utilizar el
tergal o el nylon, aunque es mejor la seda de 68 hilos por centímetro, tejida
en tafetán porque es más rugosa.
à Procedimiento:
-
1º se prepara la
pantalla.
-
2º se realiza el
dibujo sobre la pantalla:
cuanto más insistente sea el dibujo más tapado estará el tamiz de la pantalla
por el lápiz y más oscuro será el efecto obtenido al imprimir (sólo las mallas
enteramente obturadas dejarán pasar la insta después del proceso de
desobturación), se recomienda trabajar más oscuro que el resultado deseado al estampar.
-
3º Diversos
efectos: colocando la pantalla directamente sobre materiales en
relieve (telas, papel…), el lápiz sólo tapará las mallas del tejido que estén
en contacto con las asperezas de la materia subyacente.
-
4º Una vez
terminado el dibujo: Se
pasa por encima (interior de la pantalla) una delgada capa de líquido de
relleno acuoso sirviéndose de una raedera, un trozo de cartón o acetato.
-
5º se deja secar.
-
6º Se vuelve la
pantalla y se colocan encima trapos impregnados de Arteina-A-L.V.
-
7º dejar pasar 20
minutos para que el lápiz esté disuelto y reblandecido.
-
8º Se frota simultáneamente a ambos lados de la
pantalla con un trapo seco:
el líquido de relleno que reposaba directamente no sobre el tejido sino sobre
el lápiz, se irá.
-
9º Si quedan
restos de lápiz litográfico o algunas mallas están mal destapadas, se frotan de nuevo ambas caras de la
pantalla con trapos embebidos en solvente limpio.
-
Se puede combinar en
la misma pantalla la tinta litográfica y el lápiz litográfico, obteniendo efectos de colores planos
y trazos sobre medios tonos obtenidos con el lápiz.
Ø
Esténciles hechos
con bloqueador. Block-Out: forma más común de hacer esténciles.
à Origen: desde finales del siglo XIX los
esténciles se han pintado directamente sobre la pantalla usando un bloqueador.
à Características
de los esténciles realizados con bloqueador:
-
requieren que el
trabajo se realice en negativo (si se pinta una pincelada sobre la pantalla aparecerá en negativo al
imprimirse.
-
Para simplificar el
proceso: delinear el
diseño en la malla con un lápiz suave para determinar las aéreas que tendrán
que pintarse ( contornos rectos o líneas enmascarilladas usando cinta adhesiva
y aplicando el bloqueador con un pequeño trozo de cartón)
-
Los selladores son
solubles al agua (
selladores basados en alcohol)
à Materiales:
-
Pantalla de 48 a 150
hilos.
-
Bloqueadores diversos al agua (alcohol polivinílico no
sensibilizado), cola de pez, goma laca, goma arábiga o gelatina.
-
Tintas TW Graphics.
-
Raqueta y raedera
-
Pinceles.
-
Trozos de cartón o
acetato.
-
Agua
-
Arteina-A.L.V
-
Papel toalla o
trapos para la limpieza
-
Juego de torretas o
bisagras.
-
Utilizar una
pantalla por cada color a imprimir.
à Procedimiento:
-
Técnicas de dibujo
directo: colocar la
pantalla directamente en su lugar sobre la base de la impresión a la que está
fijada por una bisagra a modo de torreta (permite, una vez colocada la hoja de
papel a imprimir, utilizar la misma pantalla para todos los colores, bastará
borrar la imagen después del triaje de ésta y dibujar una nueva).
-
1º dibujar ligeramente
a lápiz los contornos de la imagen, bien directamente o bien guiándose (translucidez
del tejido), por un modelo o boceto colocado bajo la pantalla.
-
2º Tapar con el
líquido de relleno las partes del tejido que no deben dejar pasar la tinta:
ú Si
se utilizan tintas opacas la impresión, podrá empezar por imprimir las superficies mayores y,
luego, a cada color nuevo, tapar una porción cada vez mayor de la pantalla.
ú Si
se utilizan tintas transparentes, habrá que tener en cuenta la influencia de la capa de tinta subyacente
a la capa sobreimpresa.
ú Los
bloqueadores solubles en agua pueden adelgazarse con agua: Unas pocas gotas de líquido limpiador
pueden agregarse para ayudar a que el sellado fluya con mayor facilidad.
-
3º El tiempo de
secado puede reducirse, en caso de ser necesario, agregando un 5 a 10% de
alcohol desnaturalizado al agua.
ú Si
se usan tintas a base de agua: usar un sellador realizado con alcohol desnaturalizado: es más difícil
de remover cuando se seca pero es adecuado para el trabajo fino con pincel por
su secado rápido o como laca transparente para bloquear.
ú Cualquier
bloqueador debe coincidir su espesor con
el grueso de la pantalla.
ú Los
esténciles de bloqueador se pueden aplicar con pinceles, raseros de cartón… Las pistolas de aire (puntos
negativos) pueden cargarse un bloqueador diluido.
ú Puedes
realizar impresiones de contacto de cualquier superficie que se haya recubierto usando un
rodillo con el sellador.
·
Capitulo V: Desarrollo de la propuesta metodológica.
Las clases.
o
Estructura
de las clases:
§
La estructuración o formulación de los nuevos
conceptos se concretiza a partir de:
©
La teoría
(elementos de la gramática visual, indagaciones sobre la obra de arte
representada o biografía del artista, objetivos, contenidos etc.): Estos parámetros
serán utilizados en virtud de la necesidad específica y se empleará el debate y
la transmisión de conocimientos.
©
La
practica (procedimientos, materiales requeridos y descripción de la práctica).
§
Las imágenes se mostraran al principio y al
final de las clases.
§
El lenguaje será el adecuado a cada nivel de
educación.
§
Para el alumnado de Primer Ciclo los
datos biográficos de los artistas se presentarán a modo de anécdotas curiosas (
atención del alumno para relacionar al artista con su obra)
o
Clases;
procedimientos:
©
Clase
destinada a alumnos de Primer Ciclo de Educación Primaria.
©
Temporarización:
una sesión de 45 minutos.
©
Teoría:
Contacto de los alumnos con los procedimientos de estampación y su concepto. En esta primera clase y a partir
de lo que podríamos entender como un
grabado deliberado (la impresión de su huella)
el alumno podrá realizar una impresión a partir de una imagen
reconocible la cual le posibilitará posteriormente mantener una actitud de
observador en relación a las distintas imágenes presentadas en las clases
subsiguientes.
©
Lectura de
la obra:
1)
¿Qué es lo que
vosotros veis en el cuadro?
2)
¿Qué colores existen
en el cuadro?
3)
¿Hay formas de manos
en el cuadro?
4)
¿Qué creéis que el artista
quiso expresar?
©
Acerca del
artista:
Ø
Joan Miró nació en
Barcelona, en 1893.
Ø
En 1911 quedo
gravemente enfermo, abandonando por un año el dibujo.
Ø
Al recuperarse,
empieza a frecuentar clases con Francesc Galí que le incita a pintar cosas que
no ve ( le tapa los ojos)
Ø
Vivía entre España y
Francia: en París vivió durante
muchos años.
Ø
A sus 36 años
Miró se casa con una mallorquina llamada Pilar juncosa, después de dos años
nace su única hija; Dolores.
Ø
En 1942 Miró
abandona París a causa de la 2º Guerra mundial, instalándose en Barcelona.
Ø
Posteriormente
se traslada a Palma de Mallorca, en 1956, donde manda construir un gran estudio,
como había soñado años atrás.
Ø
El taller de Miró
estaba lleno de elementos encontrados en la naturaleza: troncos, hojas,… decía
que “la más pequeña cosa de la naturaleza
es un mundo en sí. Yo encuentro todos mis temas en el campo o en la costa.
Pedazos de anclas, estrellas de mar, remos y timones; todos ellos aparecen en
mis composiciones, y lo mismo pasa con las extrañas formas de sombrero de los
hongos y las setas y siete variedades de calabaza vinatera.”
Ø
Muere a los 90 años.
©
Objetivos:
1)
Presentar una obra
de Miró a los alumnos.
2)
Observar, describir
y formular hipótesis sobre la obra.
3)
Aprender nuevos
vocablos referentes a la gramática visual.
4)
Conocer las herramientas
que existen en su propio cuerpo para desarrollar un trabajo artístico.
5)
Comprender el
concepto de sello.
©
Contenidos:
Ø
Obra y biografía de
Miró.
Ø
Concepto de sello.
©
Procedimiento:
Aquí le pediremos justamente que ensucie sus dedos y sus manos de tinta creando,
a partir de éstos sellos únicos, una composición sobre papel.
©
Materiales
Ø
Papel de 80gr
Ø
Gouache de varios
colores.
Ø
Trapos.
©
Practica:
Ø
Repartir papeles
entre los alumnos.
Ø
Hacer tampones de
paño.
Ø
Colocar gouache de
diferentes colores en los tampones para que los alumnos humedezcan sus manos.
Ø
Enseñarles a
imprimir sobre el papel con las manos, guiándoles sobre el boceto de la
composición previamente realizada.
§
Clase 2º: Impresión con formas geométricas
realizadas en poliespan expandido.
©
Clase
destinada a: Primer y Segundo ciclo de primaria
©
Temporización:
una sesión de 1 hora y 30 minutos.
©
Teoría:
formas básicas.
Ø
Hay tres formas
básicas: círculo, triángulo equilátero y el cuadrado (dibujar y
explicar).
Ø
A partir de las 3 formas
se originan todas las demás
Ø
Los edificios son de
planta cuadrada desde la época egipcia, puesto que significa casa o aldea
Ø
El círculo es la
forma que aparece de forma innata al hacer garabatos.
©
Lectura de
la obra:
Ø
¿Qué es esto que
veis?
Ø
¿Con qué material está
realizada esta escultura?
Ø
¿Vosotros conocéis
estas formas?
Ø
¿qué representa?
©
Objetivos:
Ø
Apreciar la
escultura de Miró
Ø
Conocer el origen de
todas las formas a partir de las tres formas básicas: triangulo, círculo
y cuadrado.
Ø
Aprender un procedimiento bastante interesante de la
estampación, consolidando el concepto de sello.
©
Contenidos:
Ø
Formas básicas.
Ø
Procedimiento:
sello de poliespan expandido
©
Procedimiento:
los alumnos pueden determinar un orden dado a la disposición de las huellas
producidas por pequeños trozos de poliespan que untados de tinta a modo de
tampones o sellos imprimen sobre el papel a intervalos más o menos cercanos
entre la forma o formas previamente determinadas.
©
Materiales:
Ø
Plancha de poliespan
expandido 100 x 60 x 3cms ( material fácil de cortar y resistente a la
humedad)
Ø
Papeles de 80gr
Ø
Pinceles
Ø
Platillos de
plástico
Ø
Cutters
Ø
Gouache de varios
colores.
Ø
Trapos.
©
Practica:
Ø
El profesor debe
cortar (si los alumnos son pequeños) diferentes formas geométricas (cuadrado,
rectángulo, triángulo, círculo…) con un cutter antes de empezar la clase.
Ø
Se repartirán entre
los alumnos papeles y pinceles.
Ø
Se colocarán en
platillos las pinturas en el centro de la mesa.
Ø
Cada alumno debe
pensar en la composición que va a desarrollar antes de comenzar.
Ø
Cargar el pincel del
color que desee.
Ø
Empezar a pintar uno
de los lados del poliespan expandido.
Ø
Imprimir sobre el
papel la matriz de poliespan expandido.
Ø
Repetir el
procedimiento cuantas veces sea necesario hasta finalizar la composición.
§
Clase 3º: Poliespan expandido tallado mediante
color.
©
Clase
destinada a: alumnos de Segundo y Tercer ciclo de Educación Primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Acerca del
artista.
Ø
Henri Matisse nació
en Francia en 1869.
Ø
Descubrió que le
gustaba el dibujo y la pintura a los 20 años: estando convaleciente su
madre le regaló una caja de colores a la que acompañaban algunas láminas,
Matisse descubrió al imitarlas que tenía habilidades para el arte y que le
gustaba.
Ø
Matisse es conocido
por el movimiento Fauvista (fundador): este movimiento utilizaba colores
fuertes y vibrantes en los cuadros.
Ø
A los 71 años tuvo
que someterse a una grave cirugía intestinal: en agradecimiento a las
monjas, Matisse construyó una Capilla Dominicana en la que realizó las
cerámicas donde aparecen Santo Domingo y La Virgen con el Niño ( las tejas son
blancas y azules para reflejar los movimientos de las nubes del cielo)
©
Lectura de
la obra.
1)
Describir esta
imagen.
2)
¿Los colores
utilizados son suaves o fuentes?
3)
¿Los peces están
tranquilos o están peleándose?
4)
¿Cómo sacáis está
conclusión?
©
Objetivos
Ø
Conocer uno de los
artistas más importantes del siglo XX.
Ø
Saber un poco en qué
consistía el movimiento Fauvista.
Ø
Experimentar con
planchas de poliespan expandido tallado mediante calor.
Ø
Ejecutar una
relectura de la obra presentada a partir del procedimiento propuesto.
©
Contenidos.
Ø
Biografía de Henri
Matisse.
Ø
Procedimiento:
poliespan expandido tallado mediante calor.
©
Procedimiento:
Planchas de poliespan expandido grabadas con agujas de hacer calceta
(introducción de materiales poco convencionales) produce interés en el alumnado
porque no conocen como se va a utilizar las agujas y las velas, puesto que, al
calentar la punta de la aguja con la vela se introduce en la plancha de
poliespan expandido, realizando la composición con referencia a la libertad de
los animales marinos.
©
Materiales:
Ø
Rectángulos de
poliespan expandido de 20x15x4cm ( planchas)
Ø
Agujas de croché (
hierro o acero) de 12 a 15 cms
Ø
Velas
Ø
Rotuladores.
Ø
Tinta:
Akua-Intaglio wáter-based ink
Ø
Rodillo de goma
Ø
Paleta de cristal
para entintar.
Ø
Papel de impresión
©
Práctica.
1)
El profesor debe
cortar previamente las placas de poliespan expandido (20x15x4)
2)
Se repartirá a los
alumnos las placas de poliespan expandido y rotuladores para que
realicen sus composiciones sobre la plancha.
3)
Una vez hecha la
composición cada alumno recibirá una aguja de croché que calienta con la
llama de vela situada en el centro de la mesa.
4)
Una vez la aguja
está caliente podrán perforar con facilidad la plancha.
5)
La vela también
puede utilizarse directamente sobre la plancha ( la parte dónde se ha
quemado la plancha resultará blanca tras la impresión)
6)
Entintamos la
plancha con la ayuda de un rodillo de goma, el cual se carga en una
paleta de entintado.
7)
Luego depositaremos
con sumo cuidado el papel sobre la plancha de forma que no quede
torcido.
8)
Con una cuchara de
palo presionaremos el reverso del papel estableciendo contacto perfecto
entre la tinta y éste.
9)
Finalmente,
sólo nos restará levantar el papel y ver la estampa formada.
©
Clase
destinada a: alumnos de Segundo y Tercer ciclo de Educación Primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Acerca del
artista.
Ø
Oscar Claude Monet nació
en París en 1840 sus pasiones eran la pintura y las flores.
Ø
Monet era un crítico
severo (explicarles el concepto de crítica) en cuanto a su trabajo: si
un cuadro n le satisfacía lo quemaba.
Ø
Llego a trabajar al
aire libre en Noruega en pleno invierno (25º bajo cero): Monet pasó
mucha necesidad, en el invierno más frio del siglo XIX, no tenía dinero para
comprar leña.
Ø
Algunos años más
tarde era un pintor reconocido: pintar al aire libre era un placer para él ( amarraba su caballete con
cuerdas y piedras para que no se lo llevará el viento)
Ø
Monet pintó hasta
los 85 años
Ø
Murió con 86 años: En su
velatorio cuando iban a cubrir su ataúd con un paño negro, un amigo suyo
arrancó de la pared una cortina florida y la arrojó sobre el ataúd mientras
decía: "El negro no es para Claude
Monet"
©
Lectura de
la obra.
1)
¿Qué es lo que
vosotros veis?
2)
¿Cuáles son los
colores utilizados por el artista en el cuadro?
3)
¿Los lirios parece
que se muevan?
4)
¿El movimiento es
regular o irregular? ( explicarles lo que significa movimiento)
5)
¿Qué impresión nos
proporciona esta pintura?
©
Objetivos
Ø
Observar, describir
y analizar el cuadro presentado.
Ø
Enseñar varios
vocablos nuevos pertenecientes a la gramática visual.
Ø
Exteriorizar los
sentimientos proporcionados por la pintura.
Ø
Conocer a un gran
pintor impresionista.
Ø
Aprender y experimentar
el procedimiento de Monoimpresión mediante presión
Ø
Ejecutar una
relectura de la obra presentada a partir del procedimiento propuesto.
©
Contenidos.
Ø
Claude Monet.
Ø
Concepto de
movimiento.
Ø
Procedimiento:
monotipo mediante presión.
©
Procedimiento:
Es un proceso directo este monotipo ( Monoimpresión) con tintas al agua
Ø
La matriz será
un trozo de formica o acetato de color, de dimensiones a 30 x 35 cm.
Ø
Se ha de utilizar
pequeños pinceles impregnados del color elegido depositándolos sobre la
superficie de la matriz.
©
Materiales
Ø
Hojas de acetato.
Ø
Tintas al agua:
Akua_kolor Water-based inks y recipientes para las tintas.
Ø
Pinceles planos y
redondos.
Ø
Papel blanco y de
color.
©
Práctica.
Ø
Se coloca la tinta
en cada uno de los recipientes.
Ø
Una vez preparadas
todas las tintas se realizará un dibujo con ellas en la hoja de acetato.
Ø
Se coloca con
cuidado la hoja de papel encima del acetato dibujado y se hace impresión
sobre ésta, utilizando la palma de la mano.
Ø
Con precaución se
levanta el papel: la superficie del acetato no retendrá la tinta, ya que
en ésta no se ha realizado ningún tipo de talla ( sólo nos permite obtener una
sola impresión)
©
Clase
destinada a: alumnos de Primer ciclo de primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Teoría: Significado
de los colores
Ø
Amarillo:
calor, energía, claridad, irradia luz, es también el color que representa el
oro, puede simbolizar egoísmo, discordia, envidia, celos, odio, risa, placer, adolescencia…
Ø
Rojo:
alegría, entusiasmo, comunicación, pasión, emoción, acción, agresividad,
peligro, guerra, fuego, vida, caridad, sacrificio etc.
Ø
Azul:
confianza, sabiduría, seguridad, sosiego, reserva, armonía, afecto, amistad y
fidelidad.
Ø
Verde: según Kandinsky:
“el verde absoluto es el color más
tranquilo que existe (…). La pasividad es el carácter dominante del verde
absoluto.” (color esperanza) que significa naturaleza, juventud, deseo
tranquilo, descanso, equilibrio y calma.
Ø
Naranja:
simboliza peligro o alerta, fiesta, placer, aurora…
Ø
Violeta (equilibrio
óptico): lucidez, reflexión, autocontrol, aristocracia, dignidad,
equilibrio entre el cielo y la tierra, agresión premeditada, engaño etc.
©
Lectura de
la obra.
1)
¿Qué es lo que
vosotros veis en ese cuadro?
2)
¿Son hombres o
mujeres?
3)
¿cómo sabéis la
diferencia?
4)
¿cuáles son los
colores utilizados por el artista?
5)
¿por qué estas
personas están bailando?
6)
¿Qué os hace pensar
eso?
©
Objetivos
Ø
Apreciar una
importante obra de arte de Henri Matisse de principios del siglo XX.
Ø
Conocer y aprender
los significados de los colores.
Ø
Producir estampas
con diferentes aguadas, percibiendo los diferentes resultados visuales
de cada una dependiendo de la densidad de la tinta a partir de la
Monoimpresión.
Ø
Ejecutar una
relectura de la obra presentada a partir del procedimiento propuesto.
©
Contenidos.
Ø
La danza de Henri
Matisse.
Ø
Significado de los
colores.
Ø
Procedimiento: Monoimpresión mediante colores al
agua.
©
Procedimiento:
Se puede experimentar combinando aguadas de diferentes colores bajo la
supervisión del docente para la correcta proporción ( cuando más diluida sea la
aguada, menos tiempo tardara en secar la impresión terminada)
©
Materiales
Ø
Papel 90grs.
Ø
Pinceles
Ø
Recipientes
Ø
Tinta al agua: Akua-Kolor
wáter-based inks
Ø
Agente limpiador
vegetal ( A.L.V.- Arteina)
Ø
Agua
Ø
Plancha de acetato o
formica de 30 x 20 cm.
Ø
Trapos.
Ø
Recipientes para la
realización de diferentes aguadas.
©
Práctica.
1)
Repartir las
planchas y los pinceles entre los
alumnos.
2)
Colocar en el centro
de las mesas los recipientes con tinta al agua de distintas densidades y
colores.
3)
Pintar sobre la
plancha la composición deseada.
4)
Posicionar
correctamente el papel sobre la plancha
5)
Formar con el trapo
una muñequilla y refregarla sobre el papel realizando así la impresión.
6)
Separar con cuidado
el papel dejándolo secar.
©
Clase
destinada a: alumnos de Primer y Segundo ciclo de Educación Primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Teoría:
Ø
Colores calientes:
à
“(…)
Estamos acostumbrados a considerar como calientes los colores asociados, por
ejemplo, a la idea del sol, fuego… (…)Los tonos calientes dan sensación de
luminosidad, de alegría, de placer (…)”
à
Los colores
calientes son mezclas de: amarillo-rojo, amarillo, amarillo-anaranjado,
anaranjado, rojo-anaranjado, rojo, rojo-violeta.
Ø
Colores fríos:
à
Asociamos los
colores fríos a los del agua. “(…)
los tonos fríos parece que emanan una
sensación de gravedad, de melancolía, de tristeza…”
à
Los colores
fríos: verde-amarillento, verde, verde-azulado, azul, azul-violeta,
violeta.
©
Lectura de
la obra.
a)
¿Qué es lo que
vosotros veis en ese cuadro?
b)
¿cuáles son los
colores que veis en ese cuadro?
c)
¿Cuáles son los
colores más fuertes?
d)
¿Qué colores parecen
calientes y cuáles son los fríos?
e)
¿Vosotros creéis que
predominan los colores calientes o los fríos?
f)
¿por qué algunos
colores son calientes y otros fríos?
©
Objetivos
Ø
Apreciar una obra de
Joan Miró.
Ø
Discernir entre
colores calientes y fríos.
Ø
Aprender el concepto
de procedimiento de Pochoir a través de plantillas de cartulina para
posteriormente introducir los procedimientos permeográficos, serigrafía.
Ø
Realizar una
relectura de la obra presentada a partir de un Pochoir.
©
Contenidos.
Ø
Análisis de los
colores calientes y fríos.
Ø
Joan Miró
Ø
Procedimiento:
Pochoir.
©
Procedimiento:
Ø
Pochoir:
procedimiento de impresión por contacto, conocido desde hace varios siglos. En
occidente los tejidos eran decorados a partir de plantillas o maderas.
Actualmente los japoneses siguen utilizando esta técnica, los recortes están
sobre una especie de tamiz de seda ( paso previo a la serigrafía)
Ø
Las formas sencillas,
para que los alumnos se familiaricen con el referido procedimiento.
1-
Sobre la cartulina
se dibujarán aquellas formas a las diversas plantillas que constituirán
la imagen, dejando un margen de 3cms alrededor de esta.
2-
Cortar cada una de
las plantillas ( tijera escolar)
3-
La plantilla se fija
sobre un cartón con la ayuda de la cinta adhesiva.
4-
Aplicación de la
tinta al agua utilizando un pincel de estarcir ( pincel pequeño y grueso)
5-
Mientras con una
mano presionamos la plantilla, con la otra, utilizaremos el pincel a modo de
tampón. Es normal que al alumnado de primer ciclo se le sobrepase la
tinta al agua de los límites del hueco, pero no pasa nada porque esto no afecta
al producto final.
Ø
Realizar una imagen
negativa: siguiendo los
mismos pasos expuestos anteriormente.
Ø
Se pueden mover las
imágenes pulverizando varias veces con diferentes colores, alternando
ligeramente la posición de la imagen.
©
Materiales
Ø
Cartulinas
Ø
Poliespan expandido.
Ø
Tijeras o cutters.
Ø
Papeles 80gr
Ø
Lápices.
Ø
Goma de borrar.
Ø
Tintas al agua.
Ø
Agua
Ø
Cinta adhesiva.
Ø
Pinceles de estarcir
Ø
Alfileres
Ø
Pulverización.
©
Práctica.
1)
Repartir cartulina
15x20cm, lápices, goma de borrar y tijeras.
2)
Se realiza la
composición deseada respetando alrededor de la imagen unos 3cms
3)
Cortar la
composición desarrollada
4)
Depositar el papel a
estampar bajo la matriz
5)
Colocar el papel a
estampar y la plantilla de cartulina sobre la plancha de poliespan expandido.
6)
Fijar la matriz y el papel de la estampa con alfileres sobre
la plancha de poliespan expandido.
7)
Colocar dentro del
pulverizador el color deseado con un poco de agua para que este más fluido.
8)
Posicionar la
plancha de poliespan expandido en un ángulo de 135º
9)
Pulverizar
manteniendo una distancia de 20cms
10)
Sacar la estampa
quitando los alfileres
11)
Colocar para secar.
§
Clase 7º: Collagraph. Método pictórico.
©
Clase
destinada a: alumnos de Segundo y Tercer ciclo de Educación Primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Acerca del
artista.
Ø
Paul Klee nació en
Berna, en 1879, tocaba el violín (su padre era profesor de música) y
dibujaba muy bien. No sabía si escoger la carrera de música o la de artes
plásticas. Finalmente se decidió por la de artes plásticas.
Ø
Klee dibujaba con la
mano izquierda y escribía con la derecha, pero podía hacerlo a la inversa.
Ø
Al finalizar sus
estudios de arte se casó con una joven pianista con la que sólo tuvo un
hijo.
Ø
Años más tarde,
Klee fue invitado a dar clases en Bauhaus (Escuela Superior de Diseño)
Ø
Después de varios
años, Klee cae enfermo y muere a los 61 años.
©
Lectura de
la obra.
Ø
¿Qué es lo que
vosotros veis en el cuadro?
Ø
¿La persona
representada es mujer u hombre?
Ø
¿Cómo lo sabéis?
Ø
¿Con que colores el
artista ha pintado ese cuadro?
Ø
¿Qué sentís cuando
miráis el cuadro?
©
Objetivos
Ø
Observar y describir
la obra presentada.
Ø
Aprender a formular
hipótesis sobre la obra presentada.
Ø
Exteriorizar los
sentimientos producidos por la obra representada
Ø
Conocer uno de los
artistas más importantes del siglo XX
Ø
Realizar una matriz
a partir de un Collagraph mediante el método pictórico.
Ø
Ejecutar una
relectura de la obra presentada a partir de un Collagraph mediante el método
pictórico.
©
Contenidos.
Ø
Conocer uno de los
grandes artistas del siglo XX
Ø
Procedimiento: Collagraph mediante el método
pictórico.
©
Procedimiento:
Ø
La resina vinílica (Látex)
es un material utilizado cotidianamente por el niño para pegar papeles y otros
materiales. Pero será utilizado de manera distinta: el alumno dibujará
sobre una placa de cartón con cola mezclada con carborundum (arena de playa o
polvo de piedra pómez) utilizando el pincel como si se tratase de un lápiz. Se
dejará secar la composición realizada para después impermeabilizarla con una
solución acuosa.
©
Materiales
Ø
Cartón gris de 20
x30 cms
Ø
Resina vinílica (Látex)
y gresso acrílico.
Ø
Carborundum, arena o
polvo de piedra pómez.
Ø
Pinceles.
Ø
Espátulas.
Ø
Papeles para la
impresión y secantes.
Ø
Paleta de entintado
50x 50 cms (cristal) y cubeta para humectar papel.
Ø
Recipientes para solución
acuosa.
Ø
Tarlatana.
Ø
Tintas al agua: Akua-Intaglio wáter-based inks
Ø
Tórculo.
©
Práctica.
1)
El profesor debe
repartir las planchas de cartón y la mezcla de látex y carborundum.
2)
La composición debe
ser elaborada con el pincel sobre la superficie del cartón dejándola secar.
3)
Aplicar una solución
acuosa de 60% de agua y 40% de látex, añadiendo un poco de gresso
acrílico en la solución.
4)
Secar la matriz con
secados o a temperatura ambiente.
5)
Preparar una muñequilla
de tarlatana, impregnarla de tinta y quitarle el exceso.
6)
Depositar el papel
previamente humectado sobre la plancha presionándolo para su estampación.
§
Clase 8º: Collagraph: método de collage.
©
Clase
destinada a: alumnos de Segundo y Tercer ciclo de Educación Primaria.
©
Temporización:
una sesión de una hora y 30 minutos.
©
Acerca del
artista.(se puede entrar
en más profundidad, ligar Picasso con historia de España)
Ø
Pablo Ruiz Picasso
nace en Octubre de 1881 en Málaga y desde pequeño ya dibujaba muy bien (su
padre era pintor y profesor de dibujo).
Ø
Fue el artista más
productivo y más famoso del siglo XX.
Ø
Su familia se muda
a La Coruña y después a Barcelona por cuestiones de trabajo de su padre.
Ø
Con 14 años
hace el examen de ingreso a la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona.
Ø
Entre los 16 y 18
años gana dos premios nacionales de gran importancia.
Ø
Se muda a París
y se convierte en uno de los creadores del cubismo ( explicarles que es el
cubismo)
Ø
En 1907
empieza a hacer bocetos para un futuro cuadro con señoritas, después de ver la escultura tribal africana (mostrarles
imágenes).
Ø
Picasso termina
Las señoritas de Aviñón (enseñarles
cuadro)
Ø
Picasso pinta en
1937 El Guernica ( mostrar
cuadro y explicar historia)
Ø
En 1944 escribe
una pieza teatral llamada El deseo
atrapado por la cola ( historia que habla de comida en la que los
personajes son referentes a la alimentación)
Ø
En 1970,
Picasso y sus herederos donan varios cientos de obras al Museo Picasso de
Barcelona.
Ø
Con 90 años Picasso
continúa haciendo algunas series de grabados y muere en 1973
©
Lectura de
la obra.
Ø
¿Qué representa esta
imagen?
Ø
¿La persona
representada es mujer o hombre?
Ø
¿Cómo lo sabéis?
Ø
¿Cuál es la
diferencia entre esta composición y una fotografía con tres músicos?
Ø
¿Es fácil
identificar los personajes de la imagen?
Ø
¿Es fácil
transformar formas orgánicas en formas geométricas? ( explicar el concepto de
orgánico y geométrico)
Ø
¿Por qué?
©
Objetivos
Ø
Analizar
detenidamente la obra presentada.
Ø
Entender de manera
sencilla las formas del movimiento cubista.
Ø
Realizar un
ejercicio a través de un Collagraph mediante el método de collage.
Ø
Ejecutar una
relectura de la obra presentada a partir del procedimiento propuesto.
©
Contenidos.
Ø
Cubismo.
Ø
Procedimiento: Collagraph mediante
método de collage.
©
Procedimiento:
pediremos al alumnado que seleccionen un elemento de la obra y realicen su
composición a partir del mismo.
©
Materiales
Ø
Plancha de cartón
gris de 20 x 25 Cms
Ø
Trozos de cartón
Ø
Resina vinílica (
Látex)
Ø
Un preparado al 50%
de resina vinílica y agua.
Ø
Secador de pelo.
Ø
Tijeras
Ø
Pinceles o brochas
Ø
Espátula
Ø
Tintas: Akua-Intaglio wáter-based ink
Ø
Papel, impresión y
secantes
Ø
Tórculo.
©
Práctica.
1)
El profesor debe
repartir planchas de cartón de 20 x25 cm
2)
Colocar en el centro
de la mesa trozos de cartón de diversos tamaños, tijeras de uso escolar y
látex.
3)
Pegar sobre la
matriz los trozos de cartón realizando una composición.
4)
Dejar secar a
temperatura ambiente o acelerar un secado utilizando un secador.
5)
Aplicar sobre la
plancha un preparado al 50% de agua y látex con pincel o brocha.
6)
Una vez seca la
matriz, entintarla empleando una muñequita de tarlatana.
7)
Se imprime pasando
por el tórculo la matriz y el papel previamente humectado.
§
Clase 9º: Collagraph: Método de collage.
Incorporación de texturas diversas.
©
Clase destinada
a: alumnos de segundo y tercer ciclo de primaria
©
Temporización:
una sesión de 1h y 30 minutos.
©
Acerca del
artista:
Ø
Vicent Van Gogh
nació en un pueblo holandés, en 1853, de joven no le interesaba el arte,
en realidad no sabía lo que le gustaba y durante este tiempo enviaba cartas
ilustradas a su hermano Theo que admiraba tales imágenes y se ofreció para
sustentar a Van Gogh en su intento de hacer una carrera artística.
Ø
Van Gogh empezó a
pintar a los 27 años.
Ø
Se trasladó hasta
París para estar cerca de su hermano: le fascinaron las noches
estrelladas de los países del sur de Europa.
Ø
Van Gogh tuvo muchos
problemas personales en su corta vida.
Ø
Vendió solo un
cuadro que le compró su hermano
Ø
Murió con 37 años,
dejando más de 1600 obras.
Ø
Sus cuadros
actualmente son unos de los más caros del mundo.
©
Lectura de
la obra:
Ø
¿Qué representa esta
imagen?
Ø
¿Los girasoles
parece que están moviéndose?
Ø
¿Cuál es el elemento
más representativo en el cuadro: los colores o las texturas?
Ø
¿Qué impresión nos
proporciona esta pintura?
©
Objetivos
Ø
Observar describir y
analizar el cuadro presentado.
Ø
Conocer a través de
su obra y biografía a Van Gogh.
Ø
Identificar las características
de las texturas del cuadro expuesto durante el tiempo de la apreciación visual.
Ø
Realizar una
composición a modo de relectura con diversos materiales traídos de casa
mediante un Collagraph, aportados por los alumnos y el docente.
©
Contenidos
Ø
Obra y biografía Van
Gogh
Ø
Procedimiento:
Collagraph método de collage. Incorporación de texturas diversas.
©
Procedimiento
Ø
El concepto básico del
Collagraph es la estética
del collage (conexión histórica con movimientos artísticos de principios del
siglo XX como el Cubismo y el Dadaísmo)
Ø
Los soportes de la
matriz serán el cartón y las laminas de contrachapado (soportes absorbentes) que se han de
impermeabilizar o sellar para evitar la absorción de tinta, para ello usaremos
cualquier resina vinílica como el látex disuelta al 50% en agua.
Ø
Los materiales
utilizados en el collage deben
ser seleccionados de acuerdo con su grosor y a su compatibilidad con el
adhesivo a utilizar.
Ø
El material del
collage no puede tener unos bordes cortantes o afilados.
Ø
Si los elementos del
collage son absorbentes se han de impermeabilizar.
Ø
Una vez configurada
la matriz y secos los elementos del collage adheridos a ésta, se ha de pasar bajo la presión del
tórculo ( los materiales se aplastan y se adhieren totalmente a la matriz)
Ø
Si una vez estampada
la matriz se desea adherir nuevos materiales del collage, ésta se ha de desengrasar para
garantizar la adherencia de los nuevos materiales.
©
Materiales
Ø
Cartón de 30 x 25
cms
Ø
Un preparado al 50%
de látex y agua.
Ø
Tijeras.
Ø
Pinceles.
Ø
Espátulas.
Ø
Secador de pelo.
Ø
Tintas al agua: Akua-Intaglio wáter-based inks
Ø
Papel para la impresión y secantes.
Ø
Paleta de entintado.
Ø
Materiales de
desecho que no tengan mucho espesor para ser adheridos al cartón.
Ø
Tarlatana
Ø
Tórculo.
©
Practica.
1)
Colocar en el centro
de la mesa los materiales desechables a utilizar.
2)
Repartir entre los
alumnos las planchas de cartón de 30 x 25 cms
3)
Los alumnos deben
realizar su composición sin adherir ningún elemento. En este momento se la mostraran
al docente para que les guie.
4)
Si es factible la
composición, el alumno preparará la matriz adhiriendo los materiales del
collage.
5)
Aplicar sobre toda
la superficie de la matriz una solución de agua y resina con el fin de
sellarla.
6)
Utilizar el secador
de pelo para secar la matriz o bien dejarla secar a temperatura ambiente.
7)
Extender sobre toda
la matriz tinta al agua con la ayuda de una muñequilla de tarlatana.
8)
Humectar previamente
el papel antes de estampar.
9)
Colocar la plancha
entintada sobre la pletina del tórculo depositando cuidadosamente el papel
sobre ésta.
10)
Estampar.
§
Clase 10º: Plancha de puzle.
©
Clase destinada
a: alumnos de tercer ciclo de educación primaria.
©
Temporización:
dos sesiones de 3 horas.
©
Lectura de
la obra
Ø
¿En qué posición está esta mujer?
Ø
¿ Esta es una composición
de líneas orgánicas o geométricas? ( explicar conceptos)
Ø
¿Cuales son las características
principales que el artista quiso transmitir en el retrato de esta mujer?
Ø
¿Cual es la
importancia de los colores en la composición?
©
Objetivos.
Ø
Percibir las
particularidades y características variables de cada procedimiento.
Ø
Aprender a analizar
la posibilidad de cada procedimiento.
Ø
Ser paciente con el
proceso de elaboración de desarrollo del procedimiento.
Ø
Realizar una
relectura de la obra de un artista consagrado del siglo XX
©
Contenidos.
Ø
Revisión de elementos
de gramática: color
Ø
Adaptación de su composición
al procedimiento.
Ø
Procedimiento: plancha
de puzzle.
©
Procedimiento
Ø
Recortar una serie
de plantillas de un material preferiblemente no absorbente (acetato). Cada una de ellas, una vez entintadas
y unidas para su estampación, conforman a modo de rompe-cabezas la composición deseada.
Ø
Primero se realizara
un boceto de la composición para analizar con el alumnado su viabilidad (no es
posible un gran número de detalles).
©
Materiales
Ø
Plancha de acetato
30 x 25 cms
Ø
Tijeras o cutters
Ø
Papel de 100grs
Ø
Rotuladores.
Ø
Tintas al agua: Akua-Intaglio wáter-based inks.
Ø
Cinta adhesiva de
doble cara.
Ø
Paleta de entintado.
Ø
Rodillos
Ø
Tórculo.
©
Practica:
1)
Realizar un boceto
de la composición.
2)
El profesor
analizara con el alumno si es viable su boceto.
3)
Repartir la plancha,
el cutter y un rotulador por alumno.
4)
Con el rotulador el
alumno posicionara el boceto de su composición debajo de la plancha de acetato,
y copiara con rotulador sobre esta.
5)
El alumno mantiene
con una mano la plancha de acetato y con la otra las tijeras con las que
cortará las formas.
6)
Situar pequeñas
partes de cinta adhesiva de doble cara por el folio en el que se realizó el
boceto.
7)
Después del
entintado de la plancha, el alumno (cogiéndolas por los laterales) las situará
sobre la composición del boceto.
8)
El folio con boceto
se utiliza como guía y es una base para la plancha del puzzle (si no se
desplazarían)
9)
El docente asesora
al alumno al entintar la plancha.
10)
Una vez entintadas
las distintas partes, deben ser situadas cada una como estaban en el boceto.
11)Posicionamos la plancha sobre la pletina del
tórculo y el papel sobre ésta
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